Cuando uno se enfrenta a un nuevo proyecto de dirección artística lo que primero debe de hacer es documentarse. En ocasiones se descubre que ciertos elementos que se consideran actualmente modernos ya eran cotidianos en otra época. Esto ocurre actualmente con mucho mobiliario, utilizado hasta la saciedad en ciertos ambientes para dar un carácter moderno, y que, sin embargo, su diseño puede tener más de cincuenta años. Uno de los ejemplos más paradigmáticos es la silla Tulip,diseñada por Eero Saarinen en 1956.
​Este modelo se sigue fabricando en la actualidad por la misma marca que participo en su diseño original Knoll, además de por infinidad de fabricantes que, copiando su diseño, la venden a precios muy competitivos. Lo sorprendente es que se sigue utilizando para dar un toque contemporánea al ambiente. Nadie nos podría recriminar utilizar esta silla si queremos realizar un decorado de los años 60, sin embargo la utilización de esta silla en ambientes actuales puede hacer que el espectador sienta que el decorado no corresponde con la época que queremos representar.

Os dejo un enlace en Pinterest en el que muestro más ejemplos de muebles aparentemente modernos.
Son diseños que por su innovación y calidad han sobrevivido a la vida de sus creadores.
También es verdad que en los últimos años este tipo de mobiliario se justifica en el ambiguo concepto "vintage" consiguiendo una fuerte popularidad, que los hace estar presentes en multitud de ambientes.


En el año 2001, la Fundación Ico acogió una exposición de muebles de diseño de la colección Vitra Design Museum, editando una fantástico catálogo en español.

Los alumnos del curso del Máster de Dirección Artística en el IEdD me pidieron la elaboración de una lista de películas con una dirección artística acertada. Es por eso que publico aquí una sección en la que iré incluyendo diversas películas que, a mi juicio, deberían estar en esa lista.
No hay ranking en su elaboración, es decir, el hecho de publicar antes o después un comentario sobre una película no implica que la dirección de arte sea mejor o peor que la anterior. Simplemente será un selección de obras cinematográficas que, en mi opinión, contienen la esencia de una buena dirección artística.
Espero que este conjunto de películas acerquen al espectador habitual del cine a una profesión que, muchas veces, es determinante para el éxito (y también el fracaso) de una película.
He intentado buscar algún antecedente por la web de tentativas de esta lista pero no he tenido mucha fortuna, así que si queréis ayudarme, añadiendo vuestras favoritas en los comentarios, seréis bien recibidos.
Empezamos.

Película: Los ojos sin rostro
Director: Georges Franju
Diseño de producción: Auguste Capelier
Francia 1960.

"Los ojos sin rostro" posee varios elementos importantes que realzan la dirección artística.

1. La acertada selección de localizaciones exteriores que sitúan al espectador en el ambiente terrorífico y romántico de la película. Ya desde los títulos de crédito se insinúa al espectador el tipo de película que va a ver.  Las localizaciones exteriores nos recuerdan a esos bosques románticos pintados por Friedrich. Es en esos bosques románticos donde se fundó el terror, y es allí donde nos lleva continuamente la película. Un árbol sin hojas está presente en prácticamente todos los planos de exteriores.

Eso conlleva una serie de aspectos más prosaicos para la producción de la película. El primero es pensar que la película tenía que ser rodada en invierno. Esto tiene ventajas, porque las noches son mas largas y hay más tiempo para rodar en la oscuridad. Pero también desventajas, porque rodar en invierno, en exteriores, es duro tanto para los actores como para el equipo técnico. 
A veces una localización se visita meses antes de ir a rodar allí, y uno tiene que hacerse a la idea de como quedará en la película, en la época del año en la que se va a rodar.

2. El espejo. En numerosos decorados hay un espejo a través del cual se desarrolla la acción. Lo que a priori parece un capricho estilístico, resulta ser un elemento esencial, al comprobar que al personaje de Christiane le han tapado todos los espejos de su casa para que no pueda ver su cara.

Interior comedor casa Génessier. 
Ella está recuperada por eso el espejo no está tapado.
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Es verdaderamente difícil rodar en un set con espejos. Es necesaria una planificación especial, puesto que continuamente hay que evitar que el equipo de rodaje se vea reflejado en ellos. Los atrecistas tienen que estar continuamente retocando la anulación del espejo, para que la cámara no se vea reflejada.

3. Relacionar el personaje principal de Christiane con un personaje de la comedia del arte (el Pierrot) y situarlo en un escenario acorde. La primera vez que vemos al personaje de Christiane es en su habitación. Es allí donde el vestuario, el maquillaje y el decorado se unen para dar coherencia al personaje.

Escultor reposando y modelo con máscara, 1933 Picasso.
Metáfora del artista que busca la perfección en su obra, 
como Génessier busca la perfección en la operación de su hija.

Casa del novio de Christiane. Los pósters de varias exposiciones en la pared me llevan a pensar que la relación del personaje de Christiane y la pintura cubista no es en absoluto casual.
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El cine es un trabajo en equipo, la comunicación es imprescindible para conseguir aunar todos los intereses bajo un mismo fin. Así, el personaje de Christiane cobra protagonismo al conseguir que tanto el departamento de arte, como el de vestuario, y el de maquillaje, trabajen en el misma dirección.

4. La utilización de una falsa máscara que resulta mucho más enigmática que la propia máscara. Durante toda la película se nos hace creer que el personaje de Christiane lleva una máscara, pero resulta ser únicamente una capa blanca de maquillaje. Ese maquillaje es mucho más intrigante que la propia máscara.

El hecho de que el personaje de Christiane finja llevar una máscara implica que no podrá hablar delante de la cámara, ya que se notaría que es maquillaje. Por eso, cuando la actriz dice su texto, la mayoría de las veces está de espaldas. Esto añade un problema más a la planificación de la secuencia por parte del director. No por ello la película se resiente, sino que esto la hace mucho más interesante.
Ignoro la necesidad de utilizar el maquillaje en vez de máscara, probablemente el maquillaje resultaba mucho más enigmático que la máscara, quizás la máscara le hacía daño a la actriz...
El cine está lleno de misterios.

Dentro del amplio número de personas que trabajan en el departamento artístico se encuentra el concept artist, artista de concepto/ilustrador. No confundir con artista conceptual, que en el ámbito del arte desarrolla su trabajo dando más valor a las ideas, al concepto, más que al objeto en sí.

El artista de concepto dentro de una producción audiovisual realiza ilustraciones según las conversaciones mantenidas con el director y el director de arte. Su trabajo se realiza durante la preproducción del proyecto, tratando de buscar el ambiente visual.

A veces sus imágenes son utilizadas para mostrarlas a un cliente y conseguir financiación para poder realizar el proyecto. Es especialmente útil a la hora de recrear ambientes de películas de ciencia ficción donde no hay referencias fotográficas. No se trata de hacer dibujos técnicos para construir decorados o fabricar atrezo, su trabajo consiste en recrear la imagen visual que el director y el director artístico tienen en la cabeza, para ello se utilizan todas las referencias visuales que se acercan al concepto de película que se quiere realizar.

Cabecera final de la serie Guante Blanco realizada por Poteito Films

   Los tiempos han cambiado, la verdad es que hace tiempo que he dejado de utilizar el dibujo para vender una idea. Puedo dibujar para aclarar un problema constructivo a un carpintero o para que se entienda una determinada forma, para estos casos el dibujo es lo más rápido y lo más eficaz.
Pero a la hora de presentar un proyecto he dejado de dibujar, dibujar con lápiz y papel.
He pasado a "dibujar" con el ordenador, presentando bocetos más o menos realistas.
Particularmente, busco en los bocetos no tanto acercarme a la realidad sino generar unos ambientes acordes con la idea que tengo del proyecto. Para mí, no es tan importante imitar el reflejo del agua, o el detalle de una moldura, sí es importante que se entienda que hay agua y que hay una moldura, pero no trato de engañar al espectador o al cliente con la realidad.
Trato de explicar en los bocetos cómo va a quedar su proyecto, en qué se va a gastar su dinero, qué volúmenes vamos a conseguir, qué tipo de materiales vamos a utilizar.


   Creo que al cliente le da seguridad no tener que imaginarse cómo va a quedar,  son imágenes con proporciones reales que se ajustan bastante al resultado final.
Algo fundamental en este método de trabajo es la posibilidad de modificar colores y texturas fácilmente. Es fácil que a lo largo de la construcción del proyecto tenga que probar diferentes texturas en los bocetos finales, un papel pintado descatalogado o una tela que está fuera de presupuesto, hacen que tengas que probar otras opciones.


   Para ilustrar esta entrada he traído unos ejemplos de bocetos que tengo en mi portfolio. Pertenecen a la serie Imperium. En ellos se ven distintas versiones de color y el resultado final.


   Supongo que habrá gente que piense que abandonando el dibujo se pierde algo en la dirección artística, se pierde la magia de esos dibujos maravillosos que hemos visto de antiguas películas. Yo sinceramente no lo creo. No me considero un extremista, si he dejado de dibujar ha sido de manera natural y porque me resulta más cómodo plantear un proyecto al cliente de esta manera. Sigo presentando bocetos a dibujo cuando creo que es necesario.

Es tan importante y tan necesaria la labor de documentación en un proyecto, que uno no puede empezar a documentarse en el momento en el que se comienza a trabajar en el mismo. El proceso de documentación se ha de realizar día a día, la observación debe ser cultivada todos los días. Por eso cuando se encuentra lo esencial, más vale apuntarlo, fotografiarlo o dibujarlo para no olvidarlo.


La foto corresponde al taller de Sañudo Artesania en Cuir en el Poble Espanyol en Barcelona.
Es muy difícil encontrar un taller así, tan perfecto cinematográficamente hablando, por eso es necesario documentarlo cuando lo descubrimos. Ese aire de gastado, de usado, de sucio, y a la vez de ordenado y colocado, es complicado reproducirlo en decorado. A menudo nos queda impostado. Tenemos todo lo necesario para reproducir el taller pero ocurre que al no ser usuarios del taller solemos colocar las cosas sin un orden lógico de trabajo.
Libros sobre el aparador con los que resolver una duda, tintes en un extremo donde sea difícil derramarlos, restos de cuero amontonados, nada se tira... son elementos difíciles de situar si uno no trabaja en ese taller. Si uno va más allá de la imágen descubre que es un ejemplo de taller, y que el mismo concepto puede ser utilizado para recrear otros talleres.


La dirección artística no solo es una ilustración de un guión, también puede aportar concepto al conjunto del proyecto.

Tengo envidia.
Podría decir que de la sana, pero es de la mala.
El año pasado durante el rodaje de "Imperium" con Bambú Producciones tuvimos la suerte de poder rodar en los míticos estudios de Cinecittá. Podría facilmente decir que tengo envidia de no tener algo como Cinecittá en España, pero tengo envidia de algo mucho más sencillo y posible en nuestro país. En otro momento dedicaré una entrada completa a Cinecittá y mi experiencia trabajando allí.


Mi envidia surge al visitar la tienda de Cinecittá (si, tiene tienda de merchandising, con gorras, sudaderas y demás) y descubrir una revista llamada:


Scenografía & Costumi
ASC. Associazioe di Categoria Professionale Scenografi, Costumisti e Arredatori
Italian Production Designers, Costume Designers and Set Decorators Guild


Una revista que habla sobre la dirección artística y la decoración!
Pero no solo para el cine y la televisión, sino también para el teatro!!
Pero no solo de directores artísticos y decoradores, sino que también están los figurinistas!!!
Y no solo es una revista, sino que tienen una asociación donde hablan entre ellos!!!!


En los años que llevo dedicado a esta profesión, jamás me he encontrado con una revista que hable de nuestro trabajo, si existe o ha existido no he tenido conocimiento de ella.
Tampoco he oído hablar de una asociación, si que ha habido intentos pero yo sepa no han fructificado.


¿Cuando los directores de arte, los decoradores y los figurinistas de este país nos pondremos de acuerdo para que fluya el conocimiento, y dejemos de estar en nuestras torres de marfil?


Mientras tanto yo me he suscrito a la revista son 45 € tres números, incluidos gastos de envío.
De momento en su nueva etapa sólo tienen 3 números.
La etapa anterior que consta de 7 números te los puedes descargar gratuitamente en pdf. 
Como os digo, tengo envidia, de la mala.


También os dejo el ADG. Art Directors Guild, Gremio de Diectores Artísticos de EE.UU. y Canada. Esta asociación existe desde 1924, casi nada. A parte de los directores de arte, también están, ilustradores, diseñadores gráficos, diseñadores de storyboard, etc... A diferencia de la asociación italiana no existen esa interrelación con el equipo de vestuario.
También tienen una interesante revista, Perspective Magazine para descargar en pdf o verla directamente en la web.

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