El volcán Krakatoa se encuentra en una pequeña isla de Indonesia. La erupción del volcán Krakatoa en 1883 es la segunda mayor erupción volcánica registrada, solo por detrás de la erupción del Monte Tambora ocurrida en 1815. Durante la erupción, el Krakatoa expulso 18 kilómetros cúbicos de ceniza en menos de 48 horas, provocando un tsunami que se llevo la vida de unas 36.500 personas. La erupción del Krakatoa es una de los mas mortales y destructivas de la historia. El geólogo y científico naturalista holandés Rogier D. M. Verbeek fue testigo de primera mano de la erupción del Krakatoa. Durante los años siguientes a la erupción, Verbeek editó el periódico Krakatoa Journal por orden del Gobierno General de las Indias Orientales Holandesas. Este periódico se convirtió en una referencia de la vulcanología durante la época. Verbeek realizó numerosos e interesantísimos dibujos sobre el volcán. Supongo que el paisaje después de la erupción sería embriagador, pero no lo son menos la ilustraciones desérticas de Verbeek. Al ver alguna de ellas no puedo evitar pensar en algunos cuadros de G.D. Friedrich La colección la podéis ver digitalizada en la Biblioteca Nacional, donde también la podéis descargar. Si queréis pagar por tener un original en vuestras manos, existe alguna copia en el mercado, a precios prohibitivos claro. Gracias a la dedicación de sucesivas generaciones de científicos el volcán Krakatoa es ahora el caso mejor documentado de la sucesión primaria en el trópico. La BBC realizó el documental ficcionado Krakatoa The Last Days en 2006. No es que sea una maravilla pero es interesante ver como uno de los personajes es una apasionado Rogier Verbeek, interpretado por el actor Kevin McMonagle. También recrean el faro que vemos en alguna de sus ilustraciones. Expedición al volcán Krakatoa en 1885. Verbeek está situado en el centro. Rogier D.M. Verbeek El mar de hielo de G.D. Friedrich, 1823 Portada del Álbum Krakatoa En el año 2013, un nuevo periódico local fue creado en la zona de Luwu Timur. La cabecera del periódico es Verbeek, en honor al geólogo holandés.
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"Hoy he conocido a Man Ray, un señor misterioso, un poco inescrutable. Ha venido acompañando de Marcel Picabia y su mujer. Me pregunto si siempre llevará la cámara consigo. Mi marido Paul Poiret ha insistido en que me hiciera unas fotos con una de sus últimas creaciones. Man Ray ha estado dando vueltas buscando un lugar idóneo, y al final ha elegido el hall donde tenemos la escultura de Brancusi, porque allí tenía buena luz. A Man Ray le ha llamado la atención el papel pintado de la pared, mi marido le ha contado lo de la Escuela Martine, y ha parecido interesado, aunque al final me ha dicho que para él esos colores le parecían un poco extravagantes. Espero poder volver a verle." Tómese un tiempo para observar la fotografía, de manera sosegada, como el que escucha una buena canción o como cuando se degusta un buen vino. Es una fotografía demasiado especial como para que le pase desapercibida.
Denise Boulet posa con un vestido de su marido Paul Poiret, el rey de la moda en París por aquellos tiempos. Denise posa para el fotógrafo de una manera sorprendente, sensual y algo turbadora, quizás poco elegante. No es de extrañar, ya que Denise fue criticada por carecer de la clase necesaria para ser la musa del gran diseñador. No es la pose de una supermodelo, en su mirada parece desconfiar del fotógrafo. Sorprende también la provocación del diseño de Poiret, un diseño seductor mostrando el cuello y los hombros. Detrás de Denise hay una estatua, es de Constantin Brancusi, se llama L'Oiseau, el pájaro. Brancusi, escultor rumano dificilmente clasificable, realizó el pájaro en 1912, hace más de 100 años. A los ojos del espectador actual, sus obras siguen siendo terriblemente modernas. En sus memorias Poiret confesaba que le gustaba recibir artistas para generar, alrededor suyo, movimiento. 1 El papel pintado de la pared pertenece a La Maison Martine una tienda que vendía los trabajos pertenecientes a L'école Martine, una escuela experimental para mujeres de clase trabajadora creada por el propio Paul Poiret donde se impartían clases de diferentes artes aplicadas. Sus diseños y colores hacen que sea difícil utilizarlos hoy en día. Denise fue fotografiada por Man Ray, otro gran artista, también difícilmente clasificable. Pintor, cineasta, fotógrafo, aparte de ser generador, junto a otros artistas, de importantes movimientos artísticos, como el surrealismo, el dadaismo... No nos dejemos engañar por la veladura de la fotografía blanco y negro. Lo que vemos en la imagen es de una actualidad embriagadora. En el proceso de documentación de un proyecto surgen fotografías en las que resulta complejo valorar si lo que vemos obedece a un momento y espacio singular o bien pertenece a la generalidad. Ese papel pintado, esas esculturas, ¿son algo normal en las casas de 1920?, o por el contrario ¿es la casa de un artista y nos está mostrando lo arriesgado que puede llegar a ser? Muy de vez en cuando se descubren fotos misteriosas, y no es bueno dejarlas escapar. Aquí os dejo unas cuantas fotografías más de Denise y Paul Poiret. "¿Quién vive ahí?" es el título de una de mis dinámicas preferidas cuando doy clases de Dirección Artística. La utilizo para explicar, mediante la proyección de fotografías, cómo la arquitectura, la decoración, la colocación del mobiliario, lo sucia o limpia que está una estancia... nos determina o nos hace intuir si el lugar pertenece a una familia, a un hombre soltero, o si es una habitación de un piso compartido en Sevilla o un loft neoyorquino. Las estancias son capaces de darnos multitud de información de los personajes que las habitan. Edad, sexo, país, ciudad, pero también si es una persona ordenada, si es triste, si es simpática...
Aspectos que proyectamos en los sitios donde habitamos y muchas veces son invisibles en un primer vistazo. Por poner un ejemplo, podríamos realizar la dinámica con la imagen que ilustra esta entrada. ¿Quién vive ahí? En la foto vemos una primera estancia que funciona como cocina y también como comedor. Al fondo, una habitación que puede que sea un dormitorio, aunque no veamos la cama. En un principio parece que el lugar está habitado por una mujer: las imágenes con flores, el visillo de encima de la puerta, el mantel sobre la mesa, el pequeño espejo de tocador y los perfumes de encima de la cómoda así parecen indicarlo. Pero también vemos cómo hay ciertos elementos masculinos: cerca de la estufa hay una imagen de Napoleón y otra de varios animales en el campo, así como una pequeña talla de la quilla de un barco. Sobre la balda se sitúa una fotografía de un grupo de militares, probablemente uno de ellos viva en la casa. Encima de esa foto hay un retrato de una mujer enmarcado, sin duda ella es la persona de referencia. El detalle de las tijeras colgadas fuera del alcance de los niños y varias fotografías de ellos, me llevan a pensar que también habitan en la casa, pero puede que duerman en alguna otra habitación. Así podríamos seguir hasta el infinito... Con esta dinámica comprendemos la importancia de la Dirección Artística en el desarrollo de un proyecto a la hora de contar una historia al espectador. El público debería ser capaz de saber a qué personaje pertenece la habitación, sin que esté presente. Descubrimos cómo los detalles resultan ser importantes y son los que hacen que sea creíble que ese personaje se sitúe en nuestro espacio. Muchas veces tratamos de que nuestro decorado sea bello, olvidando con frecuencia que debe cumplir una función: ayudar a comprender a nuestro personaje. Si os habéis quedado con ganas de más, aquí os dejo unos enlaces que ofrecen más información de la fotografía de portada, y os ayudarán a encontrar dentro de ella cosas tan inesperadas como el gatito fantasma. Secondat y Shorpy Y os dejo algunas fotitos más, para seguir disfrutando... La labor de documentación es vital a la hora de enfrentarse a un proyecto. Informarse sobre el periodo en el que se desarrolla, e ir construyendo en la mente la época o el tema que uno quiere reflejar, es uno de los momentos más emocionantes del proceso de la dirección artística. En ese momento no pensamos en presupuestos ni tiempos. Simplemente tratamos de obtener la máxima información del tema y la época que vamos a tratar. Recrear proyectos del pasado supone a priori un mayor esfuerzo en la documentación, cuanto más retrocedemos en el tiempo, menos información tenemos y más debemos imaginar. Sin embargo, en ocasiones ambientar un espacio actual, pero muy específico (una fábrica de juguetes, unas oficinas de una plataforma petrolífera...) puede suponer un reto aún mayor. A lo largo de los años he ido acumulando lugares en internet cuyas imágenes no solo me han servido para documentarme, sino que también he utilizado para buscar ideas e inspirarme. ¿Qué se vendía en los puestos ambulantes en el Madrid de los 50? ¿Cómo eran los lujosos palanquines orientales? ¿Cómo era un plató en mitad del siglo XX en Estados Unidos? ¿Cómo se iluminaban las casas a principios de siglo? ¿Cómo son los carteles para dejar de fumar de Qatar? Este tipo de preguntas y otras muchas tienen respuesta gracias a las páginas que os muestro a continuación. Pero aviso, si has quedado en cinco minutos mejor no las abras, o llegarás tarde. Que las disfrutes! La British Library ha subido a su página de Flickr mas de un millón de imágenes de lo más variopintas. La mayoría son imágenes de los libros que tienen en su fondos. Aunque la mayoría está sin catalogar, el caos de imágenes engancha. Disponibles para descarga. Mas de setenta mil imágenes relacionadas con la medicina. Están catalogadas en función de enfermedades y países. Muy loco. Disponibles para descargar. Fotos personales añadidas por los lectores del diario 20 minutos. Catalogadas por provincias y décadas. Se pueden descubrir verdaderas joyas. Una selección de imágenes de ángeles, demonios y seres fantásticos realizada por la Cornell University Library. Imágenes de la revista Life catalogadas por Google. Si añades "source:life" a cualquier búsqueda de imágenes solo aparecerán las publicadas en la revista Life. Recopilación de miles de curiosas fotografías de 1850 a 1950 de altísima calidad. El nombre de la web se toma de Shorpy Higginbotham, un niño minero que vivió hace 100 años. Proyecto de carácter no lucrativo en el que se recopilan los carretes expuestos, pero no revelados, que se encuentran dentro de cámaras compradas en rastros y mercadillos. Una colección de fotos encontradas. Sin catalogar pero fantásticas. Un grupo de amigos sube a la red con la etiqueta de dominio público más de diez mil fotografías de muy diferentes campos. Me apasiona la sección de texturas.
Como ya comenté en la entrada "El vía crucis de los derechos de autor en la dirección artística audiovisual" la búsqueda de imágenes para ambientar un decorado resulta muchas veces un trabajo frustrante. Existen muchos otros ámbitos en los que también se necesitan imágenes para ilustrar contenidos y es por eso que, en los últimos, tiempos han proliferado los bancos de imágenes gratuitos y "libres de derechos". Existen muchos formatos, aunque generalmente están formados por fotografías con licencia Creative Commons Public Domain Dedication.
Si bien la existencia de estos bancos de imágenes me parece una excelente idea, y una ayuda a la hora de ilustrar nuestro trabajo, (podemos manipular la imagen a nuestro capricho, incluso utilizarla para fines comerciales y sin necesidad de atribuir la autoría), me parece que en la mayoría de las páginas no queda claro que existen ciertos riesgos que uno debe conocer. Con esta licencia los autores de las fotografías han cedido sus derechos al dominio público, pero no contienen los derechos de las personas, marcas, o elementos que puedan aparecer en la foto. Es decir, que aunque yo puedo publicar esta fotografía aquí, sin necesidad de atribuir la autoría, descargada de un banco de imágenes gratuito, cabe la absurda posibilidad de que el pescador de Myanmar que aparece en la fotografía reclame sus derechos. Es absurdo pensar así, es absurdo pensar que el pescador va a conectarse un día a internet y descubrir este blog, va a conseguir reconocerse en esta fotografía e indignado va a reclamar sus derechos. Es absurdo pero creo que es mejor conocer las posibilidades y que cada uno asuma los riesgos. Dudo que en este blog la publicación de esta fotografía pueda suponer algún problema, pero si estás realizando la dirección artística de una película, documental, corto, serie de tv, o publicidad, tu audiencia potencial puede ser de millones de personas. La existencia de este tipo de bancos de imágenes es fundamental. Supongamos que tenemos un proyecto en el que estamos decorando la habitación de María, una adolescente romántica, y pensamos que es buena idea colocar un póster en su habitación de una estupenda puesta solar. Tiene sentido perder el tiempo en hacer nosotros mismos una fotografía de una puesta solar en el mar, cuando existen ya millones de fotografías de este tipo. 9.807.121 fotografías de puestas solares en Flickr en 2011. De esas millones de puestas solares es más que probable que alguna cumpla con la función de ambientar la habitación de María. Si ninguna es exactamente como la queremos siempre podremos modificarla. La posibilidad de modificar la imagen cumple dos objetivos. Uno: adecuar la imagen a lo quieres ilustrar o comunicar, y dos: la posibilidad de generar problemas por reclamación de derechos es mucho más complicada. Sinceramente, qué sentido tiene hacer fotografías de puestas de sol. Otra cosa sería que una fotografía de una puesta solar fuera el eje fundamental de nuestro proyecto. María tiene una postal de un chico de la playa que lleva a todas partes y que continuamente saca para releerla de nuevo. Si es un elemento que va a "jugar" continuamente a lo largo de la película y va a tener mucha importancia, siendo probable que haya varios insertos de ese elemento, entonces conviene dedicar un tiempo a realizar la fotografía que queremos. Para terminar, os dejo aquí unos enlaces de los bancos de imágenes más habituales. Echad un vistazo a las licencias, no todas son iguales. Pixabay, Free Stock Photos, Free Pixels. Cuando uno se enfrenta a un nuevo proyecto de dirección artística lo que primero debe de hacer es documentarse. En ocasiones se descubre que ciertos elementos que se consideran actualmente modernos ya eran cotidianos en otra época. Esto ocurre actualmente con mucho mobiliario, utilizado hasta la saciedad en ciertos ambientes para dar un carácter moderno, y que, sin embargo, su diseño puede tener más de cincuenta años. Uno de los ejemplos más paradigmáticos es la silla Tulip,diseñada por Eero Saarinen en 1956. Este modelo se sigue fabricando en la actualidad por la misma marca que participo en su diseño original Knoll, además de por infinidad de fabricantes que, copiando su diseño, la venden a precios muy competitivos. Lo sorprendente es que se sigue utilizando para dar un toque contemporánea al ambiente. Nadie nos podría recriminar utilizar esta silla si queremos realizar un decorado de los años 60, sin embargo la utilización de esta silla en ambientes actuales puede hacer que el espectador sienta que el decorado no corresponde con la época que queremos representar. Os dejo un enlace en Pinterest en el que muestro más ejemplos de muebles aparentemente modernos. Son diseños que por su innovación y calidad han sobrevivido a la vida de sus creadores. También es verdad que en los últimos años este tipo de mobiliario se justifica en el ambiguo concepto "vintage" consiguiendo una fuerte popularidad, que los hace estar presentes en multitud de ambientes. En el año 2001, la Fundación Ico acogió una exposición de muebles de diseño de la colección Vitra Design Museum, editando una fantástico catálogo en español. No puedo evitar publicar esta fotografía de Kennedy y Nixon en el debate presidencial de 1960 sentados en la "moderna" silla Wegner.
Los alumnos del curso del Máster de Dirección Artística en el IEdD me pidieron la elaboración de una lista de películas con una dirección artística acertada. Es por eso que publico aquí una sección en la que iré incluyendo diversas películas que, a mi juicio, deberían estar en esa lista. No hay ranking en su elaboración, es decir, el hecho de publicar antes o después un comentario sobre una película no implica que la dirección de arte sea mejor o peor que la anterior. Simplemente será un selección de obras cinematográficas que, en mi opinión, contienen la esencia de una buena dirección artística. Espero que este conjunto de películas acerquen al espectador habitual del cine a una profesión que, muchas veces, es determinante para el éxito (y también el fracaso) de una película. He intentado buscar algún antecedente por la web de tentativas de esta lista pero no he tenido mucha fortuna, así que si queréis ayudarme, añadiendo vuestras favoritas en los comentarios, seréis bien recibidos. Empezamos. Película: Los ojos sin rostro Director: Georges Franju Diseño de producción: Auguste Capelier Francia 1960. "Los ojos sin rostro" posee varios elementos importantes que realzan la dirección artística. 1. La acertada selección de localizaciones exteriores que sitúan al espectador en el ambiente terrorífico y romántico de la película. Ya desde los títulos de crédito se insinúa al espectador el tipo de película que va a ver. Las localizaciones exteriores nos recuerdan a esos bosques románticos pintados por Friedrich. Es en esos bosques románticos donde se fundó el terror, y es allí donde nos lleva continuamente la película. Un árbol sin hojas está presente en prácticamente todos los planos de exteriores. Eso conlleva una serie de aspectos más prosaicos para la producción de la película. El primero es pensar que la película tenía que ser rodada en invierno. Esto tiene ventajas, porque las noches son mas largas y hay más tiempo para rodar en la oscuridad. Pero también desventajas, porque rodar en invierno, en exteriores, es duro tanto para los actores como para el equipo técnico. A veces una localización se visita meses antes de ir a rodar allí, y uno tiene que hacerse a la idea de como quedará en la película, en la época del año en la que se va a rodar. 2. El espejo. En numerosos decorados hay un espejo a través del cual se desarrolla la acción. Lo que a priori parece un capricho estilístico, resulta ser un elemento esencial, al comprobar que al personaje de Christiane le han tapado todos los espejos de su casa para que no pueda ver su cara. Interior comedor casa Génessier. Ella está recuperada por eso el espejo no está tapado. Es verdaderamente difícil rodar en un set con espejos. Es necesaria una planificación especial, puesto que continuamente hay que evitar que el equipo de rodaje se vea reflejado en ellos. Los atrecistas tienen que estar continuamente retocando la anulación del espejo, para que la cámara no se vea reflejada. 3. Relacionar el personaje principal de Christiane con un personaje de la comedia del arte (el Pierrot) y situarlo en un escenario acorde. La primera vez que vemos al personaje de Christiane es en su habitación. Es allí donde el vestuario, el maquillaje y el decorado se unen para dar coherencia al personaje. Escultor reposando y modelo con máscara, 1933 Picasso. Metáfora del artista que busca la perfección en su obra, como Génessier busca la perfección en la operación de su hija. Casa del novio de Christiane. Los pósters de varias exposiciones en la pared me llevan a pensar que la relación del personaje de Christiane y la pintura cubista no es en absoluto casual. El cine es un trabajo en equipo, la comunicación es imprescindible para conseguir aunar todos los intereses bajo un mismo fin. Así, el personaje de Christiane cobra protagonismo al conseguir que tanto el departamento de arte, como el de vestuario, y el de maquillaje, trabajen en el misma dirección. 4. La utilización de una falsa máscara que resulta mucho más enigmática que la propia máscara. Durante toda la película se nos hace creer que el personaje de Christiane lleva una máscara, pero resulta ser únicamente una capa blanca de maquillaje. Ese maquillaje es mucho más intrigante que la propia máscara. Christiane con maquillaje. Falsa máscara de Christiane. El hecho de que el personaje de Christiane finja llevar una máscara implica que no podrá hablar delante de la cámara, ya que se notaría que es maquillaje. Por eso, cuando la actriz dice su texto, la mayoría de las veces está de espaldas. Esto añade un problema más a la planificación de la secuencia por parte del director. No por ello la película se resiente, sino que esto la hace mucho más interesante.
Ignoro la necesidad de utilizar el maquillaje en vez de máscara, probablemente el maquillaje resultaba mucho más enigmático que la máscara, quizás la máscara le hacía daño a la actriz... El cine está lleno de misterios. Es tan importante y tan necesaria la labor de documentación en un proyecto, que uno no puede empezar a documentarse en el momento en el que se comienza a trabajar en el mismo. El proceso de documentación se ha de realizar día a día, la observación debe ser cultivada todos los días. Por eso cuando se encuentra lo esencial, más vale apuntarlo, fotografiarlo o dibujarlo para no olvidarlo. La foto corresponde al taller de Sañudo Artesania en Cuir en el Poble Espanyol en Barcelona. Es muy difícil encontrar un taller así, tan perfecto cinematográficamente hablando, por eso es necesario documentarlo cuando lo descubrimos. Ese aire de gastado, de usado, de sucio, y a la vez de ordenado y colocado, es complicado reproducirlo en decorado. A menudo nos queda impostado. Tenemos todo lo necesario para reproducir el taller pero ocurre que al no ser usuarios del taller solemos colocar las cosas sin un orden lógico de trabajo. Libros sobre el aparador con los que resolver una duda, tintes en un extremo donde sea difícil derramarlos, restos de cuero amontonados, nada se tira... son elementos difíciles de situar si uno no trabaja en ese taller. Si uno va más allá de la imágen descubre que es un ejemplo de taller, y que el mismo concepto puede ser utilizado para recrear otros talleres. La dirección artística no solo es una ilustración de un guión, también puede aportar concepto al conjunto del proyecto. |
AuthorJorge de Soto Archives
September 2015
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